Publicaciones de la categoría: Curiosidades

Visionado: ‘El editor de libros’, de Michael Grandage. ‘Una leyenda con poco pulso en la gran pantalla’

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tres estrellas

Max Perkins era un hombre de sombrero eterno, superficie vital gris, pero de privilegiado mundo interior. Tenía instinto de visionario: fue capaz de comprender los nuevos caminos hacia los que se adentraba la literatura a principios del siglo pasado y de reconocer, entre tantos y tantos aspirantes a escritores que llegaban a su oficina de la editorial Scribner, el talento genuino, el latido de un nuevo genio.

Fue un amigo imprescindible para personas ‘de poco fiar’, autores capaces de revolucionar el arte, pero también de traicionarse a sí mismos a la primera de cambio. Max siempre estaba allí, para sacar la billetera cuando hacía falta o para apuntalar la autoestima frágil de escritores como Scott Fitzgerald  o, en especial, de Thomas Wolfe. Y lo hacía ‘cogiendo la tijera’ y poniendo cordura, paciencia y su voracidad de lector intrépido en el caos de folios desordenados que llegaban a su oficina. En ocasiones,  arrastrados en una interminable sucesión de cajas.

Max, como todo el mundo le conocía, sigue siendo un mito en el mundo editorial, uno de los pocos nombres, popularmente conocidos, de un oficio tan fascinante y sacrificado como el de editor. Así presentado es también el protagonista de El editor de libros, cinta del director británico Michael Grandage, que está nominada a la Mejor Película Europea en los premios Goya de este año. Un filme que narra precisamente la relación de intensa amistad que se estableció entre Perkins y el atormentado y genial escritor Thomas Wolfe (El ángel que nos mira; Del tiempo y el río) en los años 30. La historia está ampliamente documentada, pues se conservan numerosas  cartas entre ambos además de la biografía que, sobre el singular editor, publicó Scott Berg.

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Disección: ‘L.A. Confidential’, de Curtis Hanson. ‘Cine negro sublevado’

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PANORÁMICA: 1997 fue un año de acontecimientos singulares que, en su momento, bien pudieron parecer fantasías escapadas de una novela de ciencia ficción. Mientras en Gran Bretaña un equipo de científicos británicos anunciaba el feliz alumbramiento (7 meses antes) del primer mamífero clonado, la célebre oveja Dolly, en Nueva York un robot, el ordenador de IBM Deep Blue, derrotaba por primera vez a Gary Kasparov en un torneo de ajedrez. Sin embargo, también tuvieron lugar, por aquel entonces, hechos históricos de marcada trascendencia política. El laborista Tony Blair ganaba con holgura a los conservadores de John Major, el 1 de mayo y a primeros de mes también, pero esta vez en julio, Hong Kong regresaba a China alejándose de su condición de colonia Británica. En 1997, se firmó el Protocolo de Kioto, que comprometió a los países firmantes (191) a reducir los gases de efecto invernadero. Precisamente, un gran defensor de las especies marinas, en extinción a causa de la contaminación, el oceanógrafo Jacques Cousteau, murió aquel año, al igual que dos grandes iconos de la sociedad contemporánea cuyas respectivas vidas se encontraban en las antípodas: la Madre Teresa de Calcuta y Diana de Gales.

EL MEOLLO: “La vida es bella en Los Ángeles…” hasta que aparece un puñado de cadáveres en un bar mugriento de los suburbios. Es entonces cuando la trayectoria de tres agentes del departamento de policía, radicalmente diferentes, colisiona para dejarnos ver la miseria y la corrupción que envilecen la ‘Tierra de los Sueños’. El ambicioso y brillante Ed Exley (Guy Pierce), el matón atormentado Bud White(Russell Crowe) y el cínico Jack Vincennes (Kevin Spacey) acaban  colaborando para resolver un caso endiabladamente complejo lleno de espejismos, pornografía, drogas, ‘putas operadas para parecerse a estrellas de Hollywood’ y falsos culpables que también se han ganado el infierno.

DETRÁS DE LAS CÁMARAS

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CURTIS HANSON: El pasado mes de septiembre nos dejó este cineasta cuya obra magna más deslumbrante fue L.A. Confidential (1997), una película en la que fue productor, director y coguionista (junto a Brian Helgeland) y con la que logró nueve nominaciones a los Óscar (sólo recibió los de Mejor Actriz de Reparto y Mejor Guión Adaptado). Sin embargo, antes de llegar a la cima, este autor se había ganado a pulso su condición de artesano del suspense como guionista (El socio del silencio, 1978) llegando a trabajar con cineastas de renombre como Sam Fuller. Junto a este director escribió Perro Blanco, una película cargada de polémica, pues sobre ella pesó la acusación de racismo, pero que evidenciaba un gran talento narrativo. En el 83, se puso al frente de un Tom Cruise, todavía sin lustre estelar, para dirigirlo en Ir a perderlo y perderse, un divertimento para adolescentes donde la virginidad se convierte en la madre del cordero de toda la trama. Fue en los años 90 cuando el cineasta comenzó a convertirse también en un director con ingenio para la taquilla. Alcanzó el éxito con La mano que mece la cuna (1992), una película que recorre un escalofriante ajuste de cuentas donde el instinto maternal frustrado ejerce una diabólica influencia. Después de L.A. Confidential abordó filmes como Jóvenes prodigiosos, un fracaso de taquilla aun cuando contó con un reparto multiestelar y 8 Millas donde volvió a ofrecerle un importante papel dramático a Kim Basinger, quien encarnó a la madre alcohólica del protagonista, B.-Rabbit (Eminem). Un joven de origen problemático y humilde que se curte en batallas de rap callejeras  para iniciar su carrera musical. Un trasunto de la vida del propio Eminem. En 2005, dirigió a Cameron Díaz y a Toni Collette en una comedia, In her shoes, donde dos hermanas, con el mismo número de calzado, se pasan la vida discutiendo. En Lucky you, volvió al drama familiar, pero con localización en Las Vegas, para filmar una película correcta que no despertó grandes entusiasmos. Persiguiendo Mavericks (2012), una cinta biográfica y surfista, fue el último título de un director con talento, aunque de corta filmografía.  Poco después tuvo que retirarse a causa de la enfermedad de Alzheimer.

PRIMER PLANO

house-of-cards-kevin-spacey-imageKEVIN SPACEY: Ocurrió en 1995. Fue entonces cuando descubrimos, asombrados, el rostro del diablo húngaro que habita en los “cuentos de miedo de los niños de los criminales”. Apareció el sanguinario Keyser Söze en la cara de buena persona y en las maneras amables de’ Verbal’ Kint, el estafador tullido de Sospechosos Habituales. Una transformación, un truco genial que se produjo en el desenlace de una obra maestra del cine negro contemporáneo dirigida por Bryan Singer y que le valió al actor un premio de la Academia. En esta película supimos que Kevin Spacey era un actor inmenso, de rostro cotidiano, pero con un carisma capaz de apropiarse de la gran pantalla sin apenas esfuerzo. Ese mismo año, tuvimos la oportunidad de disfrutarle en otra de sus grandes interpretaciones en Seven, de David Fincher. Nos referimos al perturbado psicópata (Doe) que se creyó un cruzado con la misión divina de redimir al mundo de sus pecados capitales. Estas dos películas dieron a conocer, a escala planetaria, al actor estadounidense, sin embargo, Spacey ya había cosechado una carrera en el teatro durante la década de los 80.

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Visionado: ‘Green Room’, de Jeremy Saulnier. ‘Borbotones de sangre punk’

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tres estrellas

Del azul al verde. Así ha trascurrido la carrera del cineasta estadounidense Jeremy Saulnier en tan solo dos años. Cuando Blue Ruin aterrizó en algunas (pocas) pantallas de todo el mundo hace tres años, algunos nos quedamos sorprendidos de reencontrarnos con un espectáculo sangriento de tanta elegancia y absoluta dedicación. Ni Tarantino, ni los hermanos Coen, ni el más recientemente aclamado Nicolas Winding Refn, se habían terminado de tomar del todo el serio los baños visuales de hemoglobina. Todos ellos los habían puesto al servicio de algo más grande: la ironía, el humor, los diálogos, los personajes.

Saulnier dio un paso más allá y en la historia de Blue Ruin nos contó una venganza sobria, desatada y contumaz. Green Room ha venido a confirmar un estilo tan sencillo como eficaz. El drama vengativo-familiar azul de un hombre desahuciado se convierte ahora en la encerrona verde de un grupo punk rock de tres al cuarto, los Aint’s Rights. Cuatro jinetes de una furgoneta destartalada que malviven de lo que les pagan aquí y allá y que dan con sus huesos en un concierto organizado por neonazis en la América profunda. Tras casi liarla con su actuación (una de las grandes maravillas de la película) uno de ellos presencia un crimen por el que todos acaban encerrados en una habitación del local. Ellos y otra testigo frente a unos 50 descerebrados que montan un dispositivo digno de la CIA para salir del atolladero. Nazis contra punks, y empieza el espectáculo.

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Visionado: ‘The Program’, de Stephen Frears. ‘Un dios con trampa’

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tres estrellas

El ciclista Lance Armstrong levanta la mirada para encontrarse con la nuestra. Mantiene una sonrisa mezquina desde el otro lado de la pantalla. Levanta la mano del manillar y nos cierra la boca con un gesto de cremallera. Le sentimos, desafiante, muy cerca. Demasiado.  Pone los pelos de punta. El ademán va dirigido, en realidad, a un colega. Un pobre ciclista al que acaba de amenazar en la película The Program para que no se vaya de la lengua y desvele su ‘gran mentira’.

The Program está recorrida por instantes turbadores como este. Momentos en los que sentimos la maestría del realizador Stephen Frears quien, en esta ocasión, se ha aventurado a contarnos las luces y las sombras de la trayectoria de un deportista emblemático. Alguien capaz de ganar siete Tours,  de convertirse en un referente de lucha incansable contra la enfermedad,  contra el cansancio… contra los límites del ser humano. Y capaz también de asesinar su leyenda en un programa televisivo, donde confiesa ser otro hombre que ha vendido su alma al diablo. Stephen Frears sabe que, en esta ocasión, tiene una auténtica bomba de relojería en sus manos: una buena historia. Tiene a un  tramposo, de celebridad planetaria, al que deja detonar junto a la narración, con el aplomo de un artificiero que lo controla todo desde una distancia demoledora.

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Visionado: ‘Trumbo. La lista negra de Hollywood’, de Jay Roach: ‘El silencio de un genio subversivo’

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tres estrellas

Al principio, el tipo nos cae mal. Parece un impostor. Dalton Trumbo es un guionista con un gran éxito que trabaja en el Hollywood dorado de los años 40. También es un presuntuoso que exhibe sin pudor su fortuna profesional y su riqueza, a pesar de que se confiesa un comunista convencido. 

 No hay manera de creerle. Hasta que el destino da un golpe de timón a su vida y le coloca ante el Comité de Actividades Antiamericanas del Congreso de los Estados Unidos, en plena ‘Caza de Brujas’, orquestada por el senador McCarthy. Y  el tipo decide entonces no abrir la boca. Se niega a dar nombres. Evita denunciar a otros trabajadores de Hollywood sobre los que pende la ‘sospecha’ de ser comunistas y con ello, convertirse en cómplice del miedo que imperaba en la época. Se comporta, ante el grupo de inquisidores americanos, como un hombre íntegro. El silencio de Trumbo le hace caer en desgracia y le lleva a la cárcel. Cuando sale, ninguna productora quiere contratarle.

Trumbo: la lista negra de Hollywood, de Jay Roch, es una película que nace de una historia real extraordinaria. El calvario que recorrió el guionista Dalton Trumbo (autor de la literatura que da vida a obras maestras como Vacaciones en Roma o Espartaco)  y su supervivencia artística resultan asombrosos. Sin embargo, la película lejos de ofrecer un testimonio igual de apasionante que las peripecias vividas por el autor cinematográfico, resulta irregular en su narración.

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