Publicaciones de la categoría: Críticas contra críticas

‘El jardinero fiel’, de Fernando Meirelles: ‘Hasta que la verdad nos una’ vs ‘Exceso de sentimiento’

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HASTA QUE LA VERDAD NOS UNA

Superar los clásicos no es dejar de amarlos. Reconstuir la imaginería de un cine que siempre contempló algunas cuestiones desde un punto de vista platónico, pero nunca real ni comprometido, es darle un valor añadido a lo que por entonces solo fueron sueños de imperialismo. Si Memorias de África, La reina de África o Cuando ruge la marabunta, por poner algunos ejemplos, propiciaron el instinto colonial de una sociedad que necesitaba zafarse de fantasmas bélicos, con la llegada del nuevo siglo comenzaron a sucederse otras historias cinematográficas más conscientes de la sangre que corre por las venas del mal llamado tercer mundo. Es el caso de esa fiebre que hizo sucederse en taquilla obras maestras como El último Rey de Escocia, Diamante de Sangre, Hotel Rwanda o El jardinero fiel.

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Esta última, adaptación de la obra maestra de nuestro idolatrado John Le Carré, The Constant Gardener, supuso hace tan solo diez años una convulsión en el impenetrable mundo de las multinacionales farmacéuticas, ya que se inspiró en los ensayos ilegales de fármacos que se realizaron en los años 90 entre sectores de la población de Nigeria. El gran cineasta brasileño Fernando Meirelles fue el encargado de adaptar a la gran pantalla, bajo producción británica, lo que a su vez suponía un mazazo para las políticas de neocolonización de Inglaterra. Un magnífico ejercicio de autocrítica que además se convirtió en una revelación mundial, por la belleza de su trama, su asombrosa fotografía de blancos, azules y ocres en un África casi siempre estereotipada, y su golpe en la mesa contra la barbarie más sutil.

Desde las favelas de la magnífica Ciudad de Dios, Meirelles trasladó sus rugosos y desenfocados planos al continente africano para poner el rostro de Ralph Fiennes a la historia de Justin Quayle, un diplomático inglés destinado en Kenia cuya esposa Tessa, activista de derechos humanos (Rachel Weisz), es asesinada, supuestamente víctima de un crimen pasional. Destrozado por la pérdida y por los celos, despechado y profundamente incapaz de enderezar su sentido de la existencia, el protagonista decide tirar del hilo de una madeja que no encaja con lo que le cuentan, que no sirve para el consuelo y que no cuadra con nada de la magnífica labor que su mujer hizo en vida. Aunque le cueste dejar de ser todo lo que representaba para el mundo civilizado, su pasión de jardinero paciente y aparentemente indolente.

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‘Alguien voló sobre el nido del cuco’, de Milos Forman: ‘El placebo de la libertad’ vs ‘Desquiciados y desquiciantes’

alguien volo sobre el nido del cuco

EL PLACEBO DE LA LIBERTAD

R. P. McMurphy (Jack Nicholson) no es un tipo de fiar. Es un estafador de tres al cuarto que además ha sido encerrado por abusar de una menor. No solo tiene problemas con la justicia, también con cualquier tipo de autoridad. De ahí que McMurphy ingrese en un psiquiátrico pensando que saldrá mejor parado haciéndose el loco que viéndose entre rejas. Nada más lejos de la realidad. La enfermera Ratched (Louise Fletcher), encargada de atender a los pacientes del pabellón que él ocupa, le demostrará que hay rutinas y terapias capaces de anular a un hombre. Cuerdo o trastornado.

Alguien voló sobre el nido del cuco es una película difícil de olvidar. Quizás sea así porque, dentro del delirio en el que viven sus protagonistas, es una historia sobria y descarnada que se atrinchera en el humor seco para amortiguar las emociones que sabe desencadenar. Quizás por su magistral y escalofriante puesta en escena o por su retrato lúcido de la demencia. Y es que el maestro, el gran director checo Milos Forman, supo atrapar en su película la certeza que hay en la locura y el miedo que produce la libertad.

con enfermeros

Esta película, endiabladamente original, sin género en el que verse encerrada y sin antes y después en la historia del cine, logró cinco Premios de la Academia (en todas las categorías principales) entre los que se encontraba el de Mejor Película. Fue el actor y productor Michael Douglas quien se obcecó en que Forman llevara a la gran pantalla la célebre novela de Ken Kesey en la que se basa el film. Sin embargo, fue su padre, Kirk Douglas, con un ojo clínico para los proyectos interesantes y los buenos cineastas, el que se enamoró inicialmente de la historia. Hasta el punto de que llegó a interpretar el personaje de McMurphy en una versión teatral.  Se vio demasiado mayor, sin embargo, para retomarlo en la gran pantalla.

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‘Airbag’, de Juanma Bajo Ulloa. ‘Entre irrepetibles formas y alardes’ vs ‘Erratismo en el concepto’

Airbag

ENTRE IRREPETIBLES FORMAS Y ALARDES

Ya vamos convirtiéndonos un poco en abuelos cebolleta del cine cuando viajamos a determinadas películas. Porque conviene recordar hoy en día a los más jóvenes que 18 años antes de ese maremoto taquillero que ha sido Ocho apellidos vascos, un cineasta de la tierra ya la lió parda por carreteras euskaldunas sin necesidad de recurrir a más tópicos que los de la gamberrada pura y dura. Airbag vio la luz como contrarréplica norteña de una recientemente revolucionaria El día de la bestia, y aparte de confirmar la buena salud de la comedia española por aquel entonces, dividió al público entre los que no entendieron nada de su desparramado argumento y los que lo entendimos, ay de nosotros, demasiado bien.

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Juanma Bajo Ulloa dio la campanada con esta historia de tres amigos, interpretados por las versiones jovenzuelas de Karra Elejalde, Fernando Guillén Cuervo y Alberto San Juan, un trío  que en plena celebración de la despedida de soltero del primero de ellos, se embarca en la búsqueda de su millonario anillo de compromiso, perdido en el culo de una prostituta  y requisado por el jefe de una red de prostitución y tráfico de drogas.  De puticlub en puticlub, estos hobbits de la tierras vascas se convierten en el azote de dos bandas criminales que los persiguen siguiendo su rastro polvoriento de olor a centollo (cocaína en clave gallega), sexo sin mesura e irrepetibles formas y alardes de solventar su coqueteo con el lado salvaje de la vida.

La sorpresa fue doble: el cineasta vasco venía de hacerse con un público muy especial tras las inquietantes Alas de mariposa y La madre muerta, un tipo de cine dramático y oscurantista que parecía haberse convertido en su marca personal. Pero un buen día, Karra Elejalde le habló de una historia que le rondaba por la cabeza, y junto a Guillén Cuervo,  se pusieron manos a la obra con el guion, sin pensar que les estaba saliendo una de las mejores road movies de todos los tiempos, donde hicieron el resto la improvisación, la química del trío protagonista, y los experimentos de Bajo Ulloa con los planos delirantes.

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‘Gattaca’, de Andrew Niccol. ‘Tiranía de la genética’ vs ‘La perfección es la carga’

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LA TIRANÍA DE LA GENÉTICA

“Nada está escrito”, ni siquiera aquello que dictan nuestros genes. Esa es al menos la certeza que deja tras de sí esta elegante y triste película concebida y dirigida por Andrew Niccol en los años 90. Un film que imagina un futuro donde la mayor parte de los seres humanos son seleccionados cuando son embriones con el fin de crear hombres y mujeres sobradamente dotados para vivir sin la amenaza de las enfermedades y con todos los ases en la manga para lograr el éxito. Es precisamente en este mundo sin sorpresas, habitado por “machos y hembras alfa”, donde existen unos pocos seres humanos concebidos de forma natural. Entre ellos, el protagonista de la película, Vincent, un joven miope, con el corazón enfermo, que sueña con formar parte de una misión espacial rumbo a Titán a la que sólo pueden acceder los especímenes físicamente mejor dotados. Intentará lograr su objetivo de la mano de Jerome Morrow, uno de estos seres privilegiados para quien, sin embargo, su destino pasó de largo por su existencia.

Esta película es un hermoso canto a la vida con sus luces y sus sombras que huye del determinismo genético para dejarnos su moraleja: todo es posible si se sueña muy fuerte. La voluntad sin distracciones del hombre, su capacidad para elegir y responsabilizarse de sus decisiones son el motor que le permite alcanzar cualquier meta que se proponga. Pero Gattaca no es una de esas simples historias de superación tan gastadas en el imaginario de Hollywood, tampoco es una simple heredera de magistrales referentes literarios como Un mundo feliz (Aldous Huxley) porque su argumento conmueve de una manera menos ambiciosa, más esquemática, si se quiere.

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Es una cinta de culto por múltiples razones. Ahí están las formidables interpretaciones de Ethan Hawke (esa mirada firme y derrotada; esa desesperación a la hora de negarse, de raspar hasta la última célula que le menciona) y de Jude Law (qué bien se mete el británico en la piel de personajes cínicos y amargados). También su puesta en escena sin grandes despliegues tecnológicos, apoyándose más bien en el escenario clásico de la dramaturgia y, en especial, en una banda sonora melancólica, de las que se quedan en la memoria del cinéfilo, compuesta por el siempre interesante Michael Nyman.

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